Cabeças que fazem Cabeças #2 – por Leandro Conejo

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Seguindo os trabalhos de renovação e novos ares do blogue, há cerca de uns 20 dias estreamos a série Cabeças que fazem Cabeças, que consiste em convidar alguém ligado à música de alguma forma, pra falar sobre um disco instrumental de sua preferência.
Pra segunda vez da sessão, convidamos o músico argentino Leandro Conejo, guitarrista que toca numa das bandas argentinas mais brasileiras  da atualidade: o Falsos Conejos, power trio de música moderna, que já lançou dois registros e ano que vem, chega com trabalho novo.
Leandro é amigo há alguns anos e sempre trocamos referências musicas (ou não) quando nos encontramos ou conversamos. Nada mais justo, colocar essas conversas em prática.
Pra vez dele aqui no blogue, foi escolhido um das obras mais fodas da história da música mundial. A grande: A Sagração da Primavera do russo Igor Stravinsky. Lá em 2009, no início dos trabalhos do Boca Fechada, a “Sagração” foi feita mas, como os anos passam, e a memória é curta, ela aparece aqui novamente, escancarada minuciosamente pelo belo relato de Leandro Conejo.
Vamos a ela, então!:

A Sagração da Primavera (1913) – Igor Stravinski – por Orquesta Nacional de Gales BBC, dirigida por David Atherton

RiteofSpringDancers

A Sagração da Primavera (original em francês , Le Sacre du printemps ) é um obra em dois atos (L’ adoração de la terre e Le sacrifício)), com música do compositor russo Igor Stravinsky e coreografia de Vaslav Nijinsky . É uma das obras mais revolucionárias da história da música clássica, por suas inovações em harmonia , ritmo e timbre . Foi realizado pela primeira vez em Paris em 29 de maio de 1913.

Na minha opinião , este trabalho é o início da época musical em que vivemos . É como um dossiê que apresenta as várias caminhos que a música transitou ao longo dos próximos 100 anos.

Digo isto pensando em dois planos diferentes . A mais óbvia e concreta , que é a influência sobre os compositores que ouviram o trabalho, tanto acadêmicos, populares de vários gêneros como jazz (Charlie Parker e Miles Davis), no Rock  (Jimi Hendrix) e Tom Jobim. Em outro nível, mais subjetivo e menos óbvio (que veio com base unicamente em conjecturas) , está relacionado com a maneira pela qual as principais características deste trabalho são refletidas na música que veio depois dele. Talvez isso foi premeditado; um prognóstico de Stravinsky com base nos resultados de uma análise da história da música e aposta posterior sobre os rumos que ela tomaria nos anos seguintes , ou apenas uma coincidência, perceptível por alguém como eu, que tem “o jornal na segunda-feira ” em suas mãos .

Vou destacar três características muito fortes e marcantes :

1: construção e destaque arquitetônico de ritmo e percussão.

2: A alegação da música popular.

3: A busca por novos timbres , alheio aos costumes de cada instrumento.

1 . Sobre o ritmo e percussão

Uma das características mais fortes de ” Consagração” é a importantancia , peso e densidade do ritmo. Até então, a música de tradição escrita, deu mais importância para a melodia e posteriormente a harmonia. O ritmo e seus principais aliados  ( osinstrumentos de percussão) foram relegados a uma função decorativa. Várias passagens da obra de Stravinsky são simplesmente golpes, quase como se fossem uma bateria de rock ou loops de música eletrônica, sem qualquer tipo de conteúdo melódico. Em outras ocasiões, há diálogo entre os diferentes grupos da orquestra, nesse diálogo, cada grupo toca uma frase curta soa isolado ou uma nota só, porém são extremamente valiosos quando todas essas frases se juntam para criar uma rede polirrítmica e polifônica complexa . Anos mais tarde, os músicos afro-americanos, deram o nome de “groove” para este conceito, elemento onipresente e essencial em toda a música do século XX. Do free jazz ao funk, do heavy metal ao minimal techno, bossa nova, samba e tango.

2. Na música popular

Outra característica é que , Stravinsky (influenciado pelas idéias de seu mestre Rimsky Korsakov) usa velhas melodias folclóricas russas como mot para o seu trabalho. Ou seja, música clássica estava fazendo um aceno para a música primitiva e pagã “das tribos”. Feito que se opôs a um processo de séculos , que vem de Bach, em que a música era o mais celestial possível, longe da terra, do suor e do sangue, como se fossem anjos. A coreografia é um exemplo muitivoo visual deste , em que os bailarinos apoiam as solas dos seus pés no chão, ao contrário do dogma do balé clássico em que todo mundo tem que andar na ponta dos pés , como se fossem anjos.
Este fato, além de ter relevância puramente musical, tem muito valor no aspecto cultural e sócio-econômico  da música do século XX. A criação e posterior sucesso comercial das gravadoras, e com eles, a música popular criada por compositores sem vínculo com o poder da igreja ou da nobreza, talvez seja o exemplo mais claro .

Até o século XIX , a música criada pelo compositor de formação clássica era ouvida pela maioria das pessoas. Estes compositores usavam o sistema tonal, onde uma nota regia as demais e todas as notas que não eram o mais importante, existiam em função da nota tônica, algo parecido com a “nota Deus” ou “nota Rei”.
No entanto, no século XX , a música que a maioria das pessoas ouvem (e consomem), vem de criadores não clássicos: The Beatles, Carlos Gardel, Tom Jobim, para dar alguns exemplos . Esse processo gerou que, aos poucos, as notas começaram a desfrutar de alguma igualdade, pois os compositores tiveram um pouco mais de liberdade musical. O jazz modal dos anos 50 e 60 , a música pop dos anos 80, são exemplos claros (mas que nao chegam a ser tão radicais como a anarquia da musica dodecafônica ou serial), mas sim, mais perto de uma espécie de democracia representativa. Além disso, a preocupação que tinham os compositores de não passar pela aprovação de seu patrono (sempre membros nobres ou poderosos da igreja ) hoje não existe, mas sim, se o mercado irá aceitar, ou seja, o trabalho deve ser aprovado pelo “povo” através do seu representante, o gerente de um gravadora.

3. Os timbres

Stravinsky começa seu trabalho com um instrumento que nunca havia assumido o papel de solista na orquestra, o fagote . Além de dar-lhe um papel de protagonista, ele deu ao instrumento um novo registro, executando melodias não comuns a ele. Essa escolha gerou um novo timbre na orquestra, que, às vezes, parece sons de guitarras e sintetizadores, tão comuns na música popular dos 100 anos que se seguiram a estréia de ” The Rite ” .

Esses três recursos, juntamente com outros, como o uso de “acordes híbridas” (acordes que não era nem maiores nem menores), fez esta peça revolucionária, alguns anos antes da eclosão da Revolução Russa .
Stravinsky usou pela primeira vez, recursos que agora soam familiar para nós, e deixou claro que esta obra nada tem nada a ver com o esnobismo de muitos artistas que buscam criar revoluções estéticas vazias.
E acima de tudo, feita esta análise fria, Stravinsky conseguiu capturar com genialidade e maestria emoções como o medo e a serenidade, alegria e ansiedade. E, do mesmo modo que acontece em nossas vidas, em questão de segundos e, imprevisivelmente, estes sentimentos se modificam e misturam-se, sem se importar se são, ou não, antagônicos.

Pra ouvir essa grande obra, clique aqui!

Esse vídeo é a filmagem de um ballet, dirigido por Pier Boulez:

Também recomendo a leitura de “Poesia Musical“, um livro baseado na palestra que o compositor estava em Harvard, que aborda vários de seus conceitos estéticos .

Além disso, este documentário :
Keeping Score : Sagração da Primavera de Stravinsky





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